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Fortunato Depero (Fondo, 1892 – Rovereto, 1960) è stato uno dei protagonisti del Futurismo italiano e figura centrale del cosiddetto Secondo Futurismo. Artista poliedrico, seppe unire arte, artigianato, teatro e pubblicità, anticipando il dialogo moderno tra creatività e industria.

Il Futurismo e la “ricostruzione dell’universo”
Nel 1915, insieme a Giacomo Balla, firmò il Manifesto della Ricostruzione futurista dell’universo, testo chiave del Secondo Futurismo. L’obiettivo era ambizioso: superare la distinzione tra arte e vita quotidiana, creando opere capaci di coinvolgere ogni aspetto dell’esistenza, dai mobili agli abiti, dal teatro alla pubblicità.

Dalla pittura al Teatro Plastico
Dopo gli studi artistici a Rovereto e l’incontro con Filippo Tommaso Marinetti, fondatore del Futurismo, Depero sviluppò uno stile inizialmente astratto e dinamico, visibile in opere come Ciz-Ciz-quaglia (1915). Tra il 1917 e il 1918 diede vita, con il poeta Gilbert Clavel, al Teatro Plastico, culminato nei Balli Plastici: spettacoli innovativi con marionette meccaniche al posto degli attori. Questa esperienza influenzò profondamente tutta la sua produzione successiva.

Gli arazzi futuristi
Tra le sue invenzioni più originali vi sono gli arazzi in tarsia di panni colorati, veri “mosaici tessili” popolati da automi e figure fantastiche. Opere come Festa della sedia (1927) raccontano un mondo giocoso e meccanizzato, dove arte e artigianato si fondono in una visione moderna e decorativa.

Arte e pubblicità: il caso Campari

Negli anni Venti Depero rivoluzionò la grafica pubblicitaria collaborando con l’azienda Campari.
Il progetto più celebre è la bottiglietta del Campari Soda: una forma conica ispirata a un altoparlante, con il marchio impresso direttamente sul vetro. Un’icona del design italiano che anticipa il concetto di identità coordinata tra prodotto e immagine.

Gli ultimi anni e l’eredità
Dopo un periodo a New York, dove lavorò come illustratore e grafico, Depero rientrò in Italia lavorando anche per numerose commissioni per enti del territorio trentino. Negli ultimi anni si dedicò alla fondazione del primo museo futurista, inaugurato a Rovereto nel 1959.
Artista totale e instancabile sperimentatore, Depero è oggi riconosciuto come una figura chiave dell’avanguardia italiana del Novecento, capace di portare l’arte fuori dai musei e dentro la vita quotidiana.

Gianni Mascotti è un artista che unisce arte visiva e musica in un percorso creativo originale e coerente. Compositore, trombettista jazz e docente di ottoni, si diploma presso il Conservatorio di Trento e, alla fine degli anni Ottanta, si avvicina alla scultura lignea formandosi accanto a Jean Paul Falcioni ed Ernesto Demetz.

Dai primi anni Duemila sviluppa un’intensa attività espositiva, partecipando a mostre, premi e simposi in ambito locale e internazionale. Realizza inoltre tre interventi pubblici nelle Valli di Non e Sole. Nel 2012 entra a far parte del cenacolo artistico “La Cerchia”, con cui espone in numerose collettive.

Il legno rappresenta il materiale privilegiato della sua produzione, ma Mascotti sperimenta anche con altri materiali, con l’assemblaggio e con l’uso del colore. La sua ricerca si sviluppa lungo due filoni principali:

• Opere figurative, dedicate prevalentemente alla figura umana, caratterizzate da forme sintetiche e dettagli cromaticamente distinti.
• Opere astratte, nate dalla traduzione visiva di ritmi e armonie musicali.

A quest’ultimo ambito appartiene Sorgente (2011). L’opera si distingue per l’avvolgimento fluido della materia lignea che racchiude un nucleo interno vuoto, creando un dialogo dinamico tra pieno e vuoto. La scultura suggerisce un senso di continuità tra materia e spazio, tra presenza fisica e dimensione immateriale.

Le forme morbide e biomorfe richiamano la tradizione dell’astrazione organica, mentre la concezione dello spazio come elemento plastico si inserisce nel più ampio dibattito della scultura contemporanea.

Sonia Zaffoni si avvicina alla pittura giovanissima, iniziando a dipingere a 16 anni come autodidatta. Nel corso degli anni costruisce un percorso artistico personale, arricchito dall’incontro con il pittore Giuseppe Debiasi, che contribuisce ad affinare la sua ricerca e la sua tecnica.

Dal 1998 l’artista espone con continuità in mostre personali e collettive a livello locale e nazionale, partecipando anche a numerosi premi d’arte. Tra i riconoscimenti più importanti si distingue la vittoria dell’edizione 2015 di Art&Immagini Città di Trento, promosso da Fondazione Caritro nell’ambito delle Feste Vigiliane, dove si aggiudica il primo premio con l’opera Stazione di Trento.

La pittura di Sonia Zaffoni si sviluppa prevalentemente attraverso l’uso dell’acrilico su tavola. I suoi soggetti spaziano dal paesaggio naturale alla figura umana e animale, con una particolare attenzione ai luoghi di passaggio e trasformazione, come la stazione ferroviaria, spesso protagonista delle sue opere.

Elemento distintivo del suo linguaggio è il forte senso di movimento che attraversa la superficie pittorica: pennellate avvolgenti e vorticose conducono lo sguardo verso profondi punti di fuga, coinvolgendo lo spettatore in un’esperienza visiva intensa e immersiva. I contrasti chiaroscurali e le linee curve danno vita a composizioni dinamiche, cariche di energia e tensione emotiva.

Stazione di Trento sintetizza efficacemente la poetica dell’artista, rappresentando un esempio emblematico della sua ricerca sul movimento, sullo spazio e sulla percezione.

Bartolomeo Bezzi è considerato, dopo Segantini, il più importante pittore trentino dell’Ottocento e una figura di rilievo nel panorama artistico italiano.

Nato in Val di Sole nel 1851, si formò all’Accademia di Brera, affermandosi presto nell’ambiente milanese. Trasferitosi a Venezia, contribuì insieme al sindaco Riccardo Selvatico alla fondazione della Biennale, alla quale partecipò per dieci edizioni, tra cui quella del 1899 con Venezia che dorme. L’esperienza internazionale gli permise di ottenere importanti riconoscimenti, come il premio all’Esposizione Universale di Parigi per Giorno di magro.

Negli ultimi anni si ritirò a Cles, dove morì nel 1923. La sua pittura si concentra soprattutto su paesaggi e vedute, con incursioni nel ritratto e nelle scene di genere

Nato a Trento nel 1971, Stefano Ghezzi vive e lavora a Fai della Paganella, dove continua a coltivare la sua passione per l’arte. Formatosi all’Istituto d’Arte Vittoria di Trento, ha iniziato la carriera come grafico pubblicitario, creando loghi, marchi e linee di abbigliamento sportivo.

All’inizio degli anni 2000, Stefano torna alla sua vocazione artistica, esplorando il muralismo e sviluppando una duplice ricerca come pittore e scultore. Nel 2009 fonda l’associazione Paganella Art, mentre entra a far parte della FIDA – Federazione Italiana degli Artisti di Trento, partecipando a mostre collettive, esposizioni personali e concorsi nazionali.

La sua produzione scultorea è fortemente legata alla natura: lavora il legno, modellando radici contorte e nodose fino a trasformarle in opere figurative. Parallelamente, realizza assemblaggi in ferro, in cui frammenti di metallo arrugginito diventano forme astratte e geometriche, dal fascino industriale.

In pittura, Stefano predilige i pannelli MDF, su cui dipinge con acrilici e smalti. Un esempio è Incontri al parco (2016), presentato al premio “Art&Immagine Città di Trento” nell’ambito delle Feste Vigiliane, classificandosi al quinto posto. Su un fondo acrilico dai toni caldi e bruniti, due figure in bicicletta emergono in silhouette grazie allo smalto, i contorni neri e le campiture bianche: un gioco di luci e contrasti che conferisce all’opera dinamismo e brillantezza.

La scelta dello smalto permette a Stefano di lavorare rapidamente, lasciando spazio alla casualità e al gesto spontaneo. Il risultato è un colore vitreo e luminoso, che sembra emergere dallo sfondo e catturare lo sguardo dello spettatore. Ogni opera è quindi un equilibrio tra controllo e imprevisto, tra materia e luce, tra forma e intuizione.